Klassiker, die ihr empfehlen könnt

Ich liebe ja diese Loriot Filme, Ödipussi und Papa ante portas. Ja, die sind mächtig angestaubt, aber wer diesen Humor mag, kann sich die Filme immer wieder anschauen.

Dann noch "In der Hitze der Nacht" mit Sidney Poitier!

Gran Torino, immerhin schon fast 20 Jahre alt. Hat nichts von seiner Aktualität eingebüßt und Clint Eastwood ist einfach sensationell.
 
Die Unbestechlichen

Alan J. Pakula - Robert Redford, Dustin Hoffman
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Im Mittelpunkt stehen die beiden Reporter Bob Woodward und Carl Bernstein von der Washington Post, gespielt von Robert Redford und Dustin Hoffman. Es geht um die Watergate-Affäre, aber der Film macht daraus kein großes Politdrama. Man begleitet die beiden einfach bei ihrer Arbeit. Viel Recherche, viele Gespräche, viele Sackgassen.

Was den Film stark macht, ist genau diese Ruhe. Es passiert nicht ständig etwas Spektakuläres. Stattdessen setzt sich alles langsam zusammen. Ein Detail hier, eine Information da. Man merkt irgendwann, dass sich ein Muster ergibt, ohne dass der Film einem das groß erklärt.

Redford und Hoffman spielen das zurückhaltend. Redford eher ruhig und kontrolliert, Hoffman etwas direkter und ungeduldiger. Die beiden wirken wie normale Kollegen und nicht wie typische Filmhelden.

Die Spannung kommt nicht von Action, sondern davon, dass man sehen will, wie sich das Ganze entwickelt.
 
Mulholland Drive

David Lynch - Naomi Watts, Laura Harring​

David Lynch erzählt hier keine klassische Geschichte. Vielmehr baut er eine Welt, die sich anfühlt wie ein Traum, in dem zunächst alles halbwegs logisch erscheint. Eine junge Schauspielerin kommt nach Los Angeles und hofft auf ihren Durchbruch. Doch ziemlich schnell verschieben sich die Ebenen, Figuren verändern sich, Zusammenhänge lösen sich auf. Man merkt, dass man sich auf unsicherem Terrain bewegt, ohne genau sagen zu können, wo der Bruch passiert.

Gerade das macht den Reiz aus. Der Film erklärt nichts und nimmt einem keine Deutung ab. Wer eine klare Auflösung erwartet, wird hier vermutlich frustriert. Wer sich aber darauf einlässt, wird hineingezogen in eine sehr dichte, oft unheimliche Atmosphäre, die man so schnell nicht vergisst.

Ein großer Grund dafür ist Naomi Watts. Ihre Entwicklung gehört zu den stärksten Leistungen, die ich kenne. Was am Anfang fast schon übertrieben optimistisch wirkt, bekommt im Verlauf eine ganz andere, deutlich dunklere Bedeutung. Dieser Umschlag trifft einen ziemlich direkt.

Auch die Inszenierung spielt eine enorme Rolle. Es gibt Szenen, die scheinbar harmlos beginnen und sich dann in etwas verwandeln, das schwer zu greifen ist, aber lange nachwirkt. Der Soundtrack von Angelo Badalamenti verstärkt das noch. Man hat ständig das Gefühl, dass unter der Oberfläche etwas nicht stimmt.

Für mich ist Mulholland Drive mein liebster Film von Lynch, einer meiner absoluten Lieblingsfilme überhaupt und ein moderner Klassiker, der sich mit jedem erneuten Sehen eher vertieft als abnutzt.
 
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Sam Rockwell schrieb:
Mulholland Drive

David Lynch - Naomi Watts, Laura Harring​

David Lynch erzählt hier keine klassische Geschichte. Vielmehr baut er eine Welt, die sich anfühlt wie ein Traum, in dem zunächst alles halbwegs logisch erscheint. Eine junge Schauspielerin kommt nach Los Angeles und hofft auf ihren Durchbruch. Doch ziemlich schnell verschieben sich die Ebenen, Figuren verändern sich, Zusammenhänge lösen sich auf. Man merkt, dass man sich auf unsicherem Terrain bewegt, ohne genau sagen zu können, wo der Bruch passiert.

Gerade das macht den Reiz aus. Der Film erklärt nichts und nimmt einem keine Deutung ab. Wer eine klare Auflösung erwartet, wird hier vermutlich frustriert. Wer sich aber darauf einlässt, wird hineingezogen in eine sehr dichte, oft unheimliche Atmosphäre, die man so schnell nicht vergisst.

Ein großer Grund dafür ist Naomi Watts. Ihre Entwicklung gehört zu den stärksten Leistungen, die ich kenne. Was am Anfang fast schon übertrieben optimistisch wirkt, bekommt im Verlauf eine ganz andere, deutlich dunklere Bedeutung. Dieser Umschlag trifft einen ziemlich direkt.

Auch die Inszenierung spielt eine enorme Rolle. Es gibt Szenen, die scheinbar harmlos beginnen und sich dann in etwas verwandeln, das schwer zu greifen ist, aber lange nachwirkt. Der Soundtrack von Angelo Badalamenti verstärkt das noch. Man hat ständig das Gefühl, dass unter der Oberfläche etwas nicht stimmt.

Für mich ist Mulholland Drive mein liebster Film von Lynch, einer meiner absoluten Lieblingsfilme überhaupt und ein moderner Klassiker, der sich mit jedem erneuten Sehen eher vertieft als abnutzt.
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Puh, der Film ist echt ein Brett. Braucht man auch starke Nerven für.
 
Kurios ist, dass Mulholland Drive bei den Oscars nur für die Beste Regie nominiert war und selbst diesen Preis nicht gewann. Wenn man sich das heute vor Augen führt, wirkt es fast wie ein Missverständnis der Zeit. Denn während Lynchs Film leer ausging, wurde ausgerechnet A Beautiful Mind als Bester Film ausgezeichnet.

Mit etwas Abstand hat sich das Kräfteverhältnis jedoch deutlich verschoben. Mulholland Drive gilt vielen als einer der wichtigsten Filme dieses Jahrhunderts. Er taucht regelmäßig ganz oben in Kritikerlisten auf, wird immer wieder neu interpretiert und hat eine Wirkung entfaltet, die weit über das hinausgeht, was sich in Preisen messen lässt.
 
Sam Rockwell schrieb:
Kurios ist, dass Mulholland Drive bei den Oscars nur für die Beste Regie nominiert war und selbst diesen Preis nicht gewann. Wenn man sich das heute vor Augen führt, wirkt es fast wie ein Missverständnis der Zeit. Denn während Lynchs Film leer ausging, wurde ausgerechnet A Beautiful Mind als Bester Film ausgezeichnet.

Mit etwas Abstand hat sich das Kräfteverhältnis jedoch deutlich verschoben. Mulholland Drive gilt vielen als einer der wichtigsten Filme dieses Jahrhunderts. Er taucht regelmäßig ganz oben in Kritikerlisten auf, wird immer wieder neu interpretiert und hat eine Wirkung entfaltet, die weit über das hinausgeht, was sich in Preisen messen lässt.
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Das war halt auch noch in einer Zeit als die Oscars den besten Mainstream Film auszeichneten. "A Beautiful Mind" ist halt eher ein Mainstream Film, während "Muholland Drive" eher der Festival/Kritiker Film ist. Ich muss ehrlich zugeben, ich bin kein Fan des Films. Finde ihn eher seltsam und fad, weshalb 1x sehen reicht.

2001 hätte eigentlich sowieso FotR abräumen müssen, was dann 2003 bei RotK nachgeholt wurde.
 
Mulholland Drive kam 2002 in die deutschen Kinos, und wenn ich an dieses Kinojahr zurückdenke, dann fällt mir die Entscheidung erstaunlich leicht. Natürlich standen mit Der Herr der Ringe: Die zwei Türme und The Royal Tenenbaums zwei Filme im Raum, die auf ihre Weise herausragend sind. Der eine als großes, episches Kino, der andere als stilisierte, sehr eigenwillige Familiengeschichte. Aber bei mir hat sich schon während des ersten Sehens etwas anderes durchgesetzt.

Ich weiß noch ziemlich genau, wie schnell mich dieser Film gepackt hat. Da war sofort dieses Gefühl, in etwas hineingezogen zu werden, ohne dass man genau sagen kann, warum. Die Bilder haben eine seltsame Sogwirkung, fast wie in einem Traum, der gleichzeitig schön und unangenehm ist. Dazu kommt die Musik, die sich nicht einfach in den Vordergrund drängt, sondern sich unter alles legt und diese unterschwellige Unruhe verstärkt. Es ist die ganze Zeit etwas da, das nicht greifbar ist, aber spürbar bleibt. Diese durchgehend unheimliche Atmosphäre hat mich damals komplett erwischt.

Und dann die Figuren. Obwohl der Film sich jeder klaren Struktur entzieht, sind die Menschen darin alles andere als egal. Gerade Naomi Watts hat mich sofort beeindruckt. Dieses Spiel zwischen naiver Offenheit und späterer Verzweiflung wirkt nie künstlich. Man merkt, wie genau das gebaut ist, ohne dass es sich je nach Konstruktion anfühlt. Sie gibt dem Film etwas sehr Menschliches, einen emotionalen Kern, an dem man sich festhalten kann, selbst wenn um einen herum alles unsicher wird.

Vielleicht war genau das der entscheidende Punkt. Während die anderen großen Filme dieses Jahres ihre Wirkung sehr klar entfalten, hat mich Mulholland Drive eher hineingezogen und nicht mehr losgelassen. Ich saß da und wusste schon während des Sehens, dass das gerade etwas Besonderes ist, auch wenn ich es nicht sofort einordnen konnte. Und genau deshalb war der Film für mich am Ende die Nummer eins dieses starken Kinojahres 2002.

Eine Analyse und Interpretation von Mulholland Drive:


 
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Ich habe Mulholland Drive bisher leider nicht gesehen. Überhaupt kenne ich nur zwei Lynch-Filme - einen davon fand ich recht mittelmäßig (Dune), den anderen gar nicht mal so gut (Blue Velvet). Das muss für Mulholland Drive nichts heißen, denn bei einem Peter Jackson ließe sich vielleicht auch schlecht von Braindead auf die Herr der Ringe-Trilogie schließen. Zumindest im direkten Vergleich ist die Konkurrenz aber groß: The Fellowship of the Ring ist nicht etwa irgendeiner meiner All-Time-Favourites, sondern bisher wirklich DER eine Lieblingsfilm von mir, der vor allen anderen steht. Die Chance, dass ich da Mulholland Drive bei den Oscars den Vorzug geben würde, ist also zumindest vergleichbar gering. Leicht anders sieht das bei The Two Towers aus - der war für mich schon immer der schwächste Teil der LotR-Trilogie und ließe sich ggf. "eher" schlagen.
 
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Dein Vergleich mit Peter Jackson ist ziemlich klug, weil er genau das Problem trifft. Man kann von einem einzelnen Film bei vielen Regisseuren nur sehr begrenzt auf das Gesamtwerk schließen. Das gilt bei David Lynch ganz besonders. Dune ist ein notorisch schwieriger Sonderfall, ein Studioprojekt, an dem Lynch selbst nie wirklich glücklich war. Blue Velvet ist schon eher repräsentativ, aber auch nur für einen bestimmten Aspekt seines Stils. Wenn dir der nicht gefallen hat, ist das durchaus ein ernstzunehmender Hinweis, aber eben kein endgültiges Urteil.

Mulholland Drive funktioniert ohnehin noch einmal anders. Der Film ist weniger provokativ und weniger auf unmittelbaren Schock aus als Blue Velvet. Er wirkt eher wie ein langsames Abgleiten in etwas Unheimliches, das man zunächst gar nicht richtig greifen kann. Vieles ergibt erst im Nachhinein Sinn, manches vielleicht auch gar nicht eindeutig. Das kann sehr faszinierend sein, wenn man sich darauf einlässt, aber auch frustrierend, wenn man eher eine klare Erzählung erwartet. Es ist kein Film, der sich einem sofort erschließt.

Deine Einschätzung in Bezug auf Der Herr der Ringe ist dagegen ziemlich realistisch. Wenn Die Gefährten für dich dieser eine Film ist, der alles andere überragt, dann wird Mulholland Drive es schwer haben. Nicht, weil er schlechter wäre, sondern weil er etwas völlig anderes will. Die Gefährten lebt von seiner Klarheit, von seiner epischen Geschlossenheit und davon, dass er emotional sehr direkt funktioniert. Lynch arbeitet genau in die entgegengesetzte Richtung. Er löst Gewissheiten auf, statt sie zu bestätigen.

Am Ende hängt alles an der Erwartungshaltung. Wenn du versuchst, den Film wie ein Puzzle zu lösen, kann er anstrengend werden. Wenn du ihn eher wie einen Traum betrachtest, bei dem nicht jedes Detail rational erklärt werden muss, dann entfaltet er seine eigentliche Stärke. Er funktioniert dann weniger über Handlung als über Stimmung, über Brüche, über das Gefühl, dass unter der Oberfläche etwas nicht stimmt.

Ich würde deshalb nicht erwarten, dass er deine bisherigen Favoriten verdrängt. Aber es ist gut möglich, dass er dir auf eine andere Weise im Gedächtnis bleibt. Nicht als Film, den man einfach mag oder nicht mag, sondern als Erfahrung, über die man noch eine Weile nachdenkt.
 
Lost in Translation

Sofia Coppola - Bill Murray, Scarlett Johansson
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Sofia Coppola erschafft hier keinen klassischen Plot, sondern eine dichte Atmosphäre aus Blicken, Gesten und Stille, in der sich der Zuschauer selbst wiederfinden kann.

Im Mittelpunkt stehen zwei Menschen, die in Tokio gleichermaßen verloren sind. Der alternde Schauspieler Bob, gespielt von Bill Murray, und die junge Charlotte, verkörpert von Scarlett Johansson. Was sie verbindet, ist keine konventionelle Liebesgeschichte, sondern ein Zustand. Beide spüren eine Leere in ihrem Leben und finden im jeweils anderen einen seltenen Moment echten Verstehens.

Die große Stärke des Films liegt im Ungesagten. Ein kurzer Blick im Fahrstuhl, ein gemeinsames Schweigen nach einer langen Nacht oder das behutsame Zudecken eines schlafenden Menschen tragen mehr Bedeutung in sich als viele Dialoge. Coppola vertraut darauf, dass Emotionen nicht erklärt werden müssen, sondern erlebt werden wollen. Genau darin entfaltet der Film seine besondere Intensität.

Die Beziehung zwischen Bob und Charlotte bleibt bewusst schwebend. Eine mögliche Nähe ist stets spürbar, wird aber nie platt eingelöst. Gerade diese Zurückhaltung macht den Film so glaubwürdig. Es geht nicht um Erfüllung, sondern um einen flüchtigen Gleichklang zweier Leben, der nicht festgehalten werden kann.

Zugleich erzählt der Film von moderner Einsamkeit und der Schwierigkeit echter Kommunikation. In einer Welt voller belangloser Gespräche wird jedes ehrliche Wort und jedes bedeutungsvolle Schweigen zu etwas Kostbarem. Tokio verstärkt dieses Gefühl noch, als fremde, grelle Kulisse, die die innere Isolation der Figuren sichtbar macht.

Bill Murray zeigt hier eine seiner feinsten Leistungen, leise, melancholisch und mit feinem Humor. Scarlett Johansson gelingt es, eine verletzliche und suchende Figur mit großer Natürlichkeit zu verkörpern. Gemeinsam erzeugen sie eine seltene Form von Nähe, die nicht auf Leidenschaft, sondern auf Verständnis basiert.


 
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garakvsneelix schrieb:
Ich habe Mulholland Drive bisher leider nicht gesehen. Überhaupt kenne ich nur zwei Lynch-Filme - einen davon fand ich recht mittelmäßig (Dune), den anderen gar nicht mal so gut (Blue Velvet).
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Dann möchte ich dir von David Lynch unbedingt Lost Highway ans Herz legen. Den finde ich um Längen besser als Mulholland Drive. Allein der erste gesprochene Satz des Films, jagt mir heute noch einen Schauer über den Rücken.
 
Spielbergs Frühwerke:

- Duell
- Unheimliche Begegnung der dritten Art

50er Sci Fi:

- Alarm im Weltall
- Die Zeitmaschine

Endzeit:

- Panik im Jahre Null
- Threads

Horror:

- Asphyx

Western:

- Töte Amigo
 
Eternal Sunshine of the Spotless Mind - Vergiss mein nicht

Michel Gondry - Jim Carrey, Kate Winslet​

Im Kern erzählt der Film eine Liebesgeschichte, aber eben nicht so, wie man es gewohnt ist. Joel und Clementine begegnen sich, verlieren sich, verletzen sich. Das alles kennt man. Was diesen Film besonders macht, ist die Art, wie er das erzählt. Statt einer geraden Entwicklung springt er mitten hinein in Joels Erinnerungen. Die Beziehung läuft gewissermaßen rückwärts ab, vom schmerzhaften Ende zurück zum ersten Kennenlernen. Dadurch verschiebt sich auch der Blick auf die beiden Figuren. Man versteht nach und nach besser, warum es scheitert, aber auch, warum es überhaupt so intensiv war.

Dabei ist das Ganze nie nur eine Spielerei. Das Drehbuch von Charlie Kaufman hat zwar diesen typischen Einfall mit dem Erinnerungenlöschen, aber der Film nutzt das nicht für clevere Gags, sondern für etwas viel Grundsätzlicheres. Unter der Regie von Michel Gondry wird daraus eine sehr persönliche Geschichte darüber, wie sehr uns unsere Erfahrungen prägen. Auch die unangenehmen.

Besonders stark ist, wie ruhig und gleichzeitig intensiv das alles gespielt ist. Jim Carrey zeigt hier eine Seite, die man lange nicht mit ihm verbunden hat. Zurückgenommen, unsicher, fast ein bisschen verloren. Kate Winslet ist das genaue Gegenteil und gerade deshalb passt das so gut zusammen. Man glaubt diesen beiden jede Phase ihrer Beziehung, von der ersten Neugier bis zur bitteren Enttäuschung.

Was hängen bleibt, ist weniger die Idee mit der Technik, sondern die Frage dahinter. Ob man wirklich besser dran wäre, wenn man Schmerz einfach löschen könnte. Der Film gibt darauf keine einfache Antwort, aber er macht ziemlich deutlich, dass man sich damit auch etwas nimmt, das zum eigenen Leben gehört. Erinnerungen sind eben nicht nur Ballast, sondern auch das, was uns formt.

Am Ende fühlt sich das alles erstaunlich hoffnungsvoll an, obwohl so viel Melancholie darin steckt. Vielleicht gerade deshalb. Weil der Film nicht so tut, als ließe sich alles glattbügeln. Er sagt eher, dass es sich trotzdem lohnt. Oder vielleicht sogar genau deswegen.

 
Harry und Sally

Rob Reiner - Billy Crystal, Meg Ryan
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Alles beginnt mit einer Autofahrt von Chicago nach New York. Sally ist organisiert, optimistisch und in manchen Dingen fast schon pedantisch. Harry ist eher das Gegenteil. Ein bisschen zynisch, ein bisschen desillusioniert, aber auch witzig und ehrlich auf eine Art, die manchmal weh tut. Schon auf dieser Fahrt wird klar, dass die beiden völlig unterschiedlich ticken. Besonders bei der Frage, ob Männer und Frauen befreundet sein können. Harry sagt nein, Sally widerspricht. Und genau an dieser Frage arbeitet sich der Film dann über Jahre hinweg ab.

Das Besondere ist, dass der Film sich Zeit lässt. Er springt durch verschiedene Phasen im Leben der beiden, zeigt sie in Beziehungen mit anderen Menschen, zeigt Enttäuschungen, Trennungen und diese seltsamen Momente, in denen man sich selbst nicht ganz versteht. Dadurch wirkt die Entwicklung zwischen Harry und Sally nie konstruiert. Man hat eher das Gefühl, zwei echten Menschen beim Älterwerden zuzusehen.

Was den Film wirklich trägt, sind die Dialoge. Die Gespräche sind witzig, manchmal ziemlich direkt, manchmal auch überraschend verletzlich. Es geht ständig um Beziehungen, aber nie auf eine nervige oder belehrende Weise. Eher so, wie man selbst mit Freunden darüber spricht, wenn es gerade kompliziert ist.

Natürlich gibt es auch diese eine Szene, die jeder kennt. Die im Restaurant. Sie ist laut, sie ist ein bisschen drüber, aber sie passt perfekt in den Film, weil sie genau das zeigt, worum es immer wieder geht. Missverständnisse zwischen Männern und Frauen, Selbstbilder, Erwartungen. Und nebenbei ist sie einfach verdammt lustig.

Was auch auffällt, ist, wie gut die beiden Hauptdarsteller miteinander funktionieren. Meg Ryan hat etwas unglaublich Sympathisches. Und Billy Crystal schafft es, diesen leicht nervigen Zyniker so zu spielen, dass man ihn trotzdem mag. Zusammen ergeben sie ein Paar, das man gerne beobachtet, gerade weil sie nicht perfekt sind.

Auch die Nebenfiguren fühlen sich nicht wie Beiwerk an. Freunde, die zuhören, kommentieren, manchmal selbst ihre eigenen Geschichten mitbringen. Dazu kommen diese kleinen Einschübe, in denen ältere Paare erzählen, wie sie sich kennengelernt haben. Das klingt erst mal wie ein Gimmick, gibt dem Film aber eine zusätzliche Ebene. Plötzlich geht es nicht nur um diese eine Beziehung, sondern um Liebe ganz allgemein.
 
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