Zuletzt gekaufter/gesehener Film - Allgemeiner Filmthread

garakvsneelix schrieb:

Ja, aber sie müssten untertitelt sein.

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Sind sie bei mir leider nicht.

Der Film ist auch in der ARD-Mediathek zu finden.

Kann man dies bei Einstellungen nicht anpassen ?

Jedihammer schrieb:

Sind sie bei mir leider nicht.

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Ist leider häufig beim Streaming so. DaVici Code ist z.B auch ein Drittel nicht auf Deutsch / Englisch und dann keine automatischen Untertitel. Entweder alles Untertitel oder nichts, wo man ständig hin und herschalten muss. Da lobe ich mir meine 1.300 DVDs.

Nachdem ich letztens mal wieder Zack Synders 300 gesehen habe, habe ich Lust auf "Sandalenfilme" bekommen und habe mir in einem kleinen Kaufrausch Ridley Scotts Gladiator und Gladiator II sowie Wolfgang Petersens Troja zugelegt. D.h. bei mir steht demnächst mal ein Filmabend im Zeichen der Antike an. Vielleicht schiebe ich dazwischen auch noch den alten Ben Hur von 1959 ein.

Dust Bunny beginnt wie ein schräges Märchen. Staub wirbelt durch ein Kinderzimmer, sammelt sich, bekommt eine Form. Ein Monster entsteht. Schon in diesen ersten Minuten ist klar, dass das hier keine normale Welt ist. Alles wirkt künstlich, überhöht, wie eine Bühne. Für mich funktioniert der Film nur, wenn man ihn komplett als Fantasie begreift. Nicht als Spiel mit der Frage, ob das Monster vielleicht doch real ist. Sondern als geschlossene Innenwelt eines Kindes.

In dieser Traumwelt gelten andere Regeln. Räume leuchten in giftigen Farben. Tapeten scheinen zu leben. Und vor allem: Menschen, die sich dem Mädchen in der Wohnung nähern, werden gefressen. Das ist kein Zufall, das ist ein Muster. Wer ihr zu nahe kommt, verschwindet. Wer den Raum betritt, wird ausgelöscht.

Wenn man das ernst nimmt, bekommt das Ganze eine andere Schwere.

Denn dann ist das Monster nicht einfach nur ein Gruselmotiv, sondern eine Schutzfigur. Etwas, das eingreift, wenn Grenzen überschritten werden. Eine radikale, kindliche Form von Abwehr. In dieser Lesart wirkt die Wohnung wie ein innerer Schutzraum. Und jeder Erwachsene, der ihn betritt, wird zur potenziellen Bedrohung.

Man kann das als Verarbeitung lesen. Als Versuch, etwas Unaussprechliches in Bilder zu übersetzen. Die Idee, dass Nähe gefährlich ist. Dass Berührung Konsequenzen hat. Dass der eigene Raum verteidigt werden muss. Wenn man an die Möglichkeit denkt, dass das Mädchen Erfahrungen gemacht hat, die mit Grenzverletzung oder sexuellem Missbrauch zu tun haben, dann bekommt das Monster eine neue Bedeutung. Es frisst nicht wahllos. Es frisst diejenigen, die ihr zu nahe kommen.

In einer Traumwelt muss das nicht logisch erklärt werden. Da wird nicht psychologisch sauber analysiert. Da entstehen Bilder. Und diese Bilder sprechen.

Gerade deshalb fällt Auroras ruhige Art noch stärker auf. Sie zeigt kaum echte Panik. Kaum körperliche Angst. Keine unkontrollierten Ausbrüche. Sie wirkt abgeklärt, fast nüchtern. Das kann man als Distanz lesen, als Abspaltung. Wenn Angst zu groß wird, wird sie manchmal nicht laut, sondern still. Nicht zittrig, sondern hart. Trotzdem bleibt das Problem, dass der Film diese innere Spannung nur andeutet. Die Angst wird behauptet, aber selten wirklich erfahrbar gemacht.

Und dann ist da Mads Mikkelsen.

Sein Auftragskiller steht wie ein Fremdkörper in dieser Traumwelt, aber ein notwendiger. Er ist die einzige erwachsene Figur, die nicht sofort als Bedrohung markiert wird. Er dringt zwar in ihren Raum ein, aber er wird nicht gefressen. Im Gegenteil. Er wird zum Verbündeten. Zum Beschützer. In einer möglichen Missbrauchs-Lesart bekommt das Gewicht. Er ist der Gegenentwurf zu den anderen Erwachsenen. Kein Übergriff, keine Grenzüberschreitung, sondern klare Linien. Distanz, die respektvoll ist.

Mikkelsen spielt das ruhig, fast zurückgenommen. Und gerade dadurch wirkt es glaubwürdig. Er ist kein strahlender Retter, sondern jemand mit eigener Dunkelheit. Aber er respektiert ihre Regeln. Und das ist entscheidend. In einer Welt, in der Nähe gefährlich ist, wird er zur Ausnahme.

Die Szenen zwischen den beiden gehören zu den stärksten des Films. Da entsteht tatsächlich etwas wie Vertrauen. Kein kitschiges Ersatzvater-Drama, sondern eine vorsichtige Annäherung. Zwei Figuren, die sich gegenseitig prüfen.

Leider traut sich der Film nicht ganz, diese dunkle Lesart klarer zu machen. Er streift sie, aber er bleibt vage. Vielleicht aus Angst vor Eindeutigkeit. Vielleicht, weil er seine Märchenhaftigkeit nicht verlieren will. Doch gerade wenn man die Traumlogik akzeptiert, hätte er hier tiefer gehen können.

So bleibt Dust Bunny ein Film, der viel andeutet. Der visuell stark ist, der Bilder findet für Bedrohung und Abwehr, für Nähe und Gefahr. Aber emotional bleibt er auf Abstand. Ich sehe, was darin stecken könnte. Ich sehe die mögliche Geschichte über ein Kind, das sich mit Fantasie schützt. Und ich sehe in Mikkelsens Figur eine positive, stabile Gegenkraft.

Nur hätte ich mir gewünscht, dass der Film den Mut hat, das deutlicher fühlbar zu machen. Dann wäre aus diesem schillernden Traum vielleicht ein wirklich erschütterndes Märchen geworden.

„Send help (2026)“

„Eine schrullige, aber fleißige Büroangestellte fliegt zusammen mit zwei Kollegen und ihrem Chef in einem Geschäftsflugzeug nach Bangkok, als es über dem Meer unerwartet zu Problemen kommt…“

Kurzum: Jeder, der arbeitet, weiß, wie es in Firmen zugehen kann.

Es macht Spaß, zuzusehen, wie die überheblichen Kollegen und der Chef ihr Fett wegkriegen.

Sam Raimis neuster Film ist wirklich eine unterhaltsame Horrorkomödie.

Am Anfang wirkt alles wie aus einem Werbeprospekt. Man-su lebt mit seiner Frau und den beiden Kindern in einem schönen Haus mit Garten. Er arbeitet seit 25 Jahren in derselben Firma, kennt jeden Handgriff, liebt sein Metier. Man merkt sofort, wie sehr er sich über seine Arbeit definiert. Er ist nicht nur Angestellter in einer Papierfabrik. Er ist dieser Job. Als die Firma übernommen wird und er entlassen wird, verliert er deshalb nicht nur sein Einkommen, sondern sein Selbstbild.

Der Film nimmt sich Zeit, diesen Bruch zu zeigen. Die schleichende Erkenntnis, dass Bewerbungen ins Leere laufen, dass jüngere, flexiblere Kandidaten den Vorzug bekommen, dass das eigene Wissen plötzlich nicht mehr gefragt ist. Die Familie spart. Die Hunde müssen weg. Der Musikunterricht der Tochter wird gestrichen. Seine Frau geht wieder arbeiten. Man-su lächelt tapfer, aber man sieht, wie es in ihm arbeitet.

In gewisser Weise erinnert diese Entwicklung an Walter White aus Breaking Bad. Auch dort steht am Anfang kein geborener Verbrecher, sondern ein Mann, der sich vom Leben übergangen fühlt und glaubt, endlich zu bekommen, was ihm zusteht. Wie Walter redet sich Man-su ein, er handle aus Verantwortung für seine Familie. Er sieht sich als jemand, der nur das Nötige tut. Und genau darin liegt die Tragik. Beide Figuren verschieben Schritt für Schritt ihre moralischen Grenzen und finden für jede neue Eskalation eine Erklärung, die vor allem ihnen selbst plausibel erscheint. Der Unterschied liegt im Ton. Während Breaking Bad über Jahre hinweg den Wandel in aller epischen Breite zeigt, verdichtet No Other Choice diesen Absturz in knapp zweieinhalb Stunden. Aber das Muster ist ähnlich. Aus gekränktem Stolz wird Trotz. Aus Trotz wird Entschlossenheit. Und aus Entschlossenheit wird Gewalt.

Was dann passiert, ist im Kern absurd und zugleich erschreckend nachvollziehbar. Man-su beschließt, seine stärksten Konkurrenten um künftige Stellenangebote auszuschalten. Nicht aus purer Bosheit, sondern aus einem verzweifelten Gefühl heraus, keine andere Wahl mehr zu haben. Der Film zeigt diese Entwicklung als langsames Abrutschen. Jeder Schritt wirkt wie eine kleine Verschiebung der eigenen Grenzen.

Dabei ist No Other Choice erstaunlich witzig. Es gibt Szenen, die so überdreht sind, dass man lachen muss, obwohl man eigentlich weiß, dass man gerade über etwas Furchtbares lacht. Mordpläne scheitern an Banalitäten. Körperliche Auseinandersetzungen geraten chaotisch. Situationen kippen ins Groteske. Dieser Humor macht den Film aber nicht leichter. Im Gegenteil. Er legt offen, wie lächerlich und traurig dieser Kampf um Status und Anerkennung ist.

Lee Byung-hun trägt den Film fast im Alleingang. Sein Man-su ist kein Monster. Er ist ein Mann, der immer alles richtig gemacht hat und plötzlich merkt, dass das nicht mehr reicht. In seinem Gesicht sieht man Stolz, Scham, Trotz und Angst oft gleichzeitig. Gerade in den leisen Momenten ist er am stärksten. Wenn er versucht, vor seiner Familie Haltung zu bewahren, während innerlich alles bröckelt, trifft das mehr als jede Gewaltszene.

Auch die Ehe wird nicht als einfache Stütze gezeigt. Missverständnisse schleichen sich ein. Heimlichkeiten führen zu falschen Verdächtigungen.
Beide kämpfen auf ihre Weise ums Überleben der Familie. Das macht den Film glaubwürdig. Niemand ist hier nur Opfer oder nur Täter.

Optisch sieht der Film fantastisch aus. Gerade dieser Kontrast verstärkt die Wirkung. Unter der gepflegten Oberfläche gärt es. Wenn Man-su im Gewächshaus steht oder nachts durch fremde Häuser schleicht, wirkt das gleichzeitig banal und unheimlich. Es ist keine große Gangsterwelt, sondern der ganz normale Alltag, der kippt.

Am Ende bleibt kein erhobener Zeigefinger. Der Film predigt nicht. Er zeigt einfach, wie dünn die Schicht ist, die wir Zivilisation nennen, wenn Selbstwert nur an Arbeit und Status hängt. Und er stellt eine unangenehme Frage. Wie weit würden wir selbst gehen, wenn wir das Gefühl hätten, alles zu verlieren.

No Other Choice ist bitter, komisch, traurig und brutal. Und unterhaltsam. Man verlässt das Kino mit dem Gefühl, einen lohnenden Film gesehen zu haben, und vielleicht mit dem leisen Verdacht, dass zwischen einem ordentlichen Familienvater und einem Mann ohne Skrupel manchmal weniger liegt, als man glauben möchte.

Bin jetzt mit dem Paten durch.
Ich fand die Filme waren gut anzusehen.
Aber den großen Hype darum verstehe ich nicht.
Und auch wenn ich jetzt Prügel beziehe, aber ich fand den dritten Teil als den besten Teil.
(Volle Deckung)

Jedihammer schrieb:

Aber den großen Hype darum verstehe ich nicht.

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Ein Film ist ja ein Produkt seiner Zeit. Jahrzehnte später könnte (würde) man das vermutlich über jeden Film sagen.

Für mich haben Der Pate I und II auch heute nichts von ihrer Wucht verloren.

Ich habe beide Filme in unterschiedlichen Lebensphasen gesehen. Als jüngerer Zuschauer war ich vor allem von der Atmosphäre und der Machtfrage gefesselt. Später hat mich stärker interessiert, was sie über Familie, Loyalität und moralische Erosion erzählen. Diese Verschiebung im eigenen Blick ist vielleicht der beste Beweis dafür, wie viel in ihnen steckt. Es sind keine Filme, die man konsumiert und abhakt. Sie wachsen mit.

Der erste Teil funktioniert für mich in erster Linie als Familiengeschichte. Ja, es geht um organisierte Kriminalität, um Deals, um Gewalt. Aber das Entscheidende ist der innere Wandel von Michael Corleone. Er beginnt als jemand, der Abstand halten will, der ein anderes Leben plant. Und Schritt für Schritt wird er in eine Rolle hineingezogen, die er zunächst ablehnt und schließlich mit kalter Konsequenz ausfüllt. Diese Entwicklung ist dramaturgisch sauber aufgebaut. Nichts wirkt überhastet, nichts wird dem Zuschauer aufgedrängt.

Der zweite Teil geht für mein Empfinden noch einen Schritt weiter.

Die parallele Erzählung von Vitos Aufstieg und Michaels Machtkonsolidierung verleiht dem Ganzen eine historische Tiefe. Man versteht, woher bestimmte Werte kommen und sieht zugleich, wie sie sich verändern. Vito wirkt bei aller Härte wie jemand, der klare Regeln hat. Michael dagegen opfert nach und nach alles, was ihm einmal wichtig war, um die Kontrolle zu behalten. Am Ende steht keine Größe, sondern Einsamkeit.

Was beide Filme für mich so fesselnd macht, ist ihre Ernsthaftigkeit. Gewalt ist selten Selbstzweck. Wenn sie stattfindet, hat sie Gewicht und Folgen. Man spürt ständig, dass Entscheidungen unwiderruflich sind.

Den dritten Teil habe ich vor Jahrzehnten genau ein einziges Mal gesehen. Er ist mir nur noch vage in Erinnerung. Ich weiß noch, dass ich ihn damals nicht auf Augenhöhe mit den ersten beiden empfand, aber mein Urteil wäre heute zu unsicher, um es ernsthaft zu vertreten. Vielleicht sollte ich ihm noch einmal eine faire Chance geben.

Die ersten beiden Teile jedoch stehen für mich außer Frage. Sie sind nicht nur Klassiker, weil sie oft zitiert werden, sondern weil sie zeitlose Themen verhandeln. Macht korrumpiert. Familie schützt und zerstört zugleich. Aufstieg hat seinen Preis. Genau deshalb packen mich diese Filme bis heute.

Für mich auch ohne Frage die beiden besten Filme die ich je gesehen habe. Werden jährlich angeschaut.
Die Problematik mit Fredo fand ich immer sehr interessant. Wie er bei all den Gangstern einfach nicht den Anschluss gefunden hat und nie wirklich durchgeblickt hat. Eine tragische Figur eben. Ebenso tragisch auch der Tod des Schauspielers John Cazale, von ihm hätte man noch viel gesehen und gehört.

Ich würde mich ja auch an der Diskussion rund um die "Godfather"-Trilogie beteiligen, aber mag vielleicht vorher jemand die letzten Beiträge zu diesem Thema in den passenden Thread verschieben? Danke im Voraus!

Marty Mauser ist talentiert. Das zeigt der Film früh und ohne große Vorbereitung. Aber sein eigentliches Talent liegt nicht nur am Tisch. Gleich zu Beginn, bei der Begegnung im Schuhladen, wird deutlich, was ihn besonders macht. Er kann Menschen lesen. Er merkt schnell, wie er auftreten muss, um weiterzukommen. Er redet sich hinein, passt sich an, wirkt charmant und unverbindlich zugleich. Man sieht ihm dabei gern zu, auch wenn man ahnt, dass er nicht selbstlos handelt.

Und das Verrückte ist: Trotz zweieinhalb Stunden fühlt sich Marty Supreme nicht lang an.

Timothée Chalamet trägt den Film natürlich. Er spielt Marty nicht als klassischen Helden, sondern als jemanden, der wahnsinnig charmant sein kann und im nächsten Moment komplett egoistisch wird. Marty hat Drive. Aber er hat auch etwas Kaltes. Er benutzt Leute. Er kann sie einwickeln, mit einem Lächeln und dieser scheinbar harmlosen Art, und sobald er merkt, dass er nicht bekommt, was er will, kippt er.

Da gibt es zum Beispiel diese Situation, in der er bei jemandem unterkommen will. Er redet sich rein, schmeichelt, macht auf Kumpel. Und man sitzt da und denkt: Das ist gleichzeitig beeindruckend und irgendwie widerlich. Genau dieses Gefühl hält der Film super aus, ohne einen die Moral mit dem Holzhammer reinzudrücken.

Was ich auch richtig stark fand: das Ensemble. Das sind nicht einfach „Nebenrollen“, die mal kurz reinkommen, einen coolen Moment haben und wieder verschwinden. Das sind Gesichter, die hängenbleiben. Leute, die so perfekt in diese Welt passen, dass du nie das Gefühl hast, du siehst hier Schauspielstars beim Schauspielern. Es wirkt eher wie: Diese Menschen leben da wirklich, und Marty stolpert in ihre Leben rein, reißt was auf, macht was kaputt, kassiert ab und zieht weiter.

Daneben gibt es auch bewusst irritierende Passagen, etwa die Szene mit dem Vampir Motiv. Das kommt so überraschend, dass man erst lachen will. Und dann merkt man: Die Szene meint das irgendwie ernst. Nicht wörtlich, aber in dem, was sie über diese Figur und diese Welt sagt. Es ist einer dieser Dialoge, die man später beim Rausgehen nochmal im Kopf hörst.

Die Tischtennis Szenen sind intensiv gestaltet. Die Kamera bleibt nah an den Gesichtern und an der Anspannung der Figuren. Man fiebert tatsächlich mit und möchte wissen, wie ein Match ausgeht. Dass das bei dieser Sportart gelingt, spricht für die Inszenierung.

Und dann ist da noch dieser anachronistische Touch, der dem Ganzen eine extra Portion Energie gibt: moderne Schrift für Ortsnamen, Popsongs aus den 80ern mitten in den 50ern. Klingt auf dem Papier wie eine dumme Idee, funktioniert aber total. Es macht den Film frech, lebendig, nicht museal. Er fühlt sich nicht an wie eine geschniegelt rekonstruierte Zeitreise, sondern wie ein Film, der diese Ära benutzt, um sie einmal ordentlich unter Strom zu setzen.

Am Ende bleibt bei mir ein ziemlich klares Gefühl: Marty Supreme ist ein verdammt guter Film.

Temporeich. Unvorhersehbar. Voller überraschender Szenen. Mit einer Hauptfigur, die man nicht mögen muss, aber unbedingt weiter beobachten will. Chalamet ist großartig, das Ensemble sitzt. Und trotz der Länge ist das Ganze so kurzweilig, dass man eher denkt: War es das schon?

Aus gegebenem Anlass habe ich mir gestern mal wieder

Scotland Yard jagt Dr. Mabuse

angeschaut.

Ohja, ziemlich zäher und spannungsfreier Streifen mit einer lustlosen und unglaubwürdigen Story (einschließlich Auflösung)

Meine Erinnerung hat mich also nicht getäuscht.

Interessant fand ich aber, dass hier eine Prinzessin Diana also britische Thronfolgerin auftaucht.

Und ein sehr junger Klaus Kinski in einer recht normalen und ungewohnt „seriös“ gespielten Rolle.

Keine Punkte, aber der Film ist ein gutes Beispiel dafür, das man manche Filmreihen vielleicht einfach mal nicht fortsetzen sollte

Wer hätte gedacht, dass mir ein neuer „Predator“ so gut gefällt dass ich mir sogar die UHD Blu Ray hole?

Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke dürfte als sechster Film des Jahres und zugleich fünfter deutscher Beitrag an diesem Wochenende die Schwelle von einer Million Kinobesuchern überschreiten.

Mit Good Luck, Have Fun, Don’t Die meldet sich Gore Verbinski nach langer Pause mit einem Film zurück, der sich erfreulich wenig dafür interessiert, geschniegelt, glatt oder berechenbar zu sein. Das ist schon deshalb schön, weil man solche Regiearbeiten im Mainstreamkino inzwischen viel zu selten sieht. Filme, die nicht nur funktionieren wollen, sondern einen eigenen Puls haben. Filme, bei denen man das Gefühl bekommt, dass da wirklich jemand mit einer konkreten Vorstellung hinter der Kamera stand und diese Vorstellung auch durchgezogen hat.

Genau das ist hier der Fall.

Die Ausgangslage ist herrlich schräg. Sam Rockwell platzt als verwahrlost wirkender Mann in ein Diner, behauptet, aus der Zukunft zu kommen, und warnt vor einer kommenden Katastrophe. Die Welt, aus der er stammt, ist von KI, digitaler Betäubung und einer allgemeinen Verwüstung des Menschlichen geprägt. Um das alles zu verhindern, trommelt er eine zufällige Gruppe zusammen und zieht mit ihr durch das nächtliche Los Angeles. So beginnt ein Film, der sich zunächst wie eine überdrehte Science-Fiction-Komödie gibt, dann aber sehr schnell zeigt, dass er mehr im Sinn hat als bloße Gags und Tempo.

Was sofort auffällt, ist der Ton. Verbinski verbindet hier Komik, Abenteuer, Science Fiction, Satire und stellenweise sogar etwas Groteskes zu einem wilden, sehr lebendigen Ganzen. Das klingt auf dem Papier leicht nach Überforderung, im Film selbst entwickelt es aber einen erstaunlichen Sog. Gerade weil Good Luck, Have Fun, Don’t Die sich nicht brav in ein Genre einsortieren lässt, bleibt er die ganze Zeit in Bewegung. Man weiß nie ganz, welche Abzweigung er als Nächstes nimmt. Das macht ihn unberechenbar, manchmal chaotisch, aber fast immer interessant.

Und vor allem: erstaunlich unterhaltsam.

Sam Rockwell ist für so eine Rolle natürlich ein Geschenk. Schon sein Eröffnungsmonolog scheint den Film mit einem Schlag auf Betriebstemperatur zu bringen. Er redet, warnt, gestikuliert, überfordert alle Anwesenden und zieht einen dabei sofort mit hinein. Rockwell kann dieses nervöse, leicht kaputte Charisma wie kaum ein anderer. Bei ihm ist die Figur zugleich Witzfigur, Prophet, Loser und tragischer Held. Man lacht über ihn, aber nie nur über ihn. Dafür liegt unter der ganzen exzentrischen Energie zu viel Müdigkeit, Verzweiflung und Hoffnung.

Überhaupt ist das eine der Stärken des Films: Er bleibt nicht an der Oberfläche seiner eigenen Verrücktheit hängen.

Die Figuren bekommen Rückblenden, kleine Seitenpfade, eigene Verletzungen. Das ist nicht immer filigran ausgearbeitet oder besonders elegant konstruiert, geht aber dennoch auf. Aus einem bloßen Ensemble aus Spleens und Marotten werden nach und nach Menschen mit Vergangenheit. Besonders Haley Lu Richardson bleibt dabei hängen. Sie bringt etwas sehr Bewegliches in den Film, eine Mischung aus Trockenheit, Verletzlichkeit und Trotz, die wunderbar neben Rockwells manischer Präsenz besteht. Auch Juno Temple und Michael Peña setzen starke Akzente. Gerade in den Rückblenden entstehen einige der besten Momente des Films, weil sich hier Witz und Bitterkeit fast unmerklich ineinanderschieben.

Das Drehbuch formuliert seine Kritik an Gegenwart, Medienkonsum, sozialer Abstumpfung und KI nicht gerade flüsternd. Der Film ist deutlich, manchmal plakativ, manchmal fast provokant direkt. Aber genau darin liegt auch ein Teil seines Reizes. Er will gar nicht geschniegelt klug wirken. Er trägt seine Thesen offen vor sich her und rettet sie durch Witz, Timing und inszenatorische Lust vor der bleiernen Bedeutsamkeit. Viele Beobachtungen sind außerdem treffend genug, dass sie sitzen. Wenn Erwachsene und Jugendliche in einer Welt aus Bildschirmreizen, Kurzfassungskultur und dauernder Ablenkung nebeneinander herleben, dann formuliert der Film das nicht mit akademischer Eleganz, aber mit einem Blick für Absurdität, der oft ziemlich genau ins Schwarze trifft.

Beeindruckend ist auch, wie hochwertig das alles aussieht.

Gemessen am vergleichsweise überschaubaren Budget wirkt Good Luck, Have Fun, Don’t Die erstaunlich groß. Der Film hat Wucht, Bewegung, eine klare visuelle Handschrift und später auch Effekte, bei denen man sich wirklich fragt, wie Verbinski das zu diesem Preis gestemmt hat. Er besitzt nicht die sterile Perfektion eines glattpolierten Studiofilms, eher etwas Raues, Schmuddeliges, leicht Verschobenes. Gerade das passt aber hervorragend zu dieser Geschichte. Das nächtliche Los Angeles hat hier keine Hochglanzoberfläche, sondern etwas leicht Verfaultes, etwas Künstliches, etwas latent Unheimliches.

Das Finale dreht dann endgültig frei und zwar im besten Sinn. Da häufen sich bizarre Einfälle, groteske Bilder und absurde Zuspitzungen. Man merkt, wie sehr Verbinski daran interessiert ist, seine Ideen wirklich bis zum Anschlag auszureizen. Das Ergebnis ist kein sauber austarierter Film, aber ein mutiger. Einer, der lieber zu viel wagt als sich in ironischer Mittelmäßigkeit einzurichten.

Ganz rund ist das nicht.

Verbinski hat nach wie vor einen Hang zur Überfülle. Manche Ideen wären auch ohne Verlust kürzer oder pointierter zu erzählen gewesen. Der Film ist spürbar vollgestopft mit Einfällen, Anspielungen, Motiven und Tonlagen. Nicht alles fügt sich perfekt. Manche Übergänge wirken ein wenig abrupt, manches hätte noch stärker gebündelt werden können. Auch das Schlussdrittel verliert sich einen Tick in seiner eigenen Lust am Exzess. Aber selbst diese Schwächen wirken hier eher wie Auswüchse eines echten künstlerischen Temperaments als wie bloße Nachlässigkeit. Lieber ein Film, der überzieht, als einer, der gar nichts riskiert.

Was ihn am Ende aber wirklich trägt, ist seine Haltung.

Unter der ganzen schrägen Oberfläche steckt eine ziemlich düstere, teilweise fast nihilistische Sicht auf Technik, Trost und die bequemen Illusionen, mit denen sich Menschen durch eine kaputte Welt retten. Der Film macht es sich dabei nicht ganz so einfach, wie man zunächst denken könnte. Er wettert nicht bloß gegen Geräte oder moderne Oberflächen. Ihn interessiert vielmehr, wie Systeme funktionieren, die Menschen ruhigstellen, ihnen Hoffnung vorspielen und sie gerade dadurch in Abhängigkeit halten. Das gibt dem Film eine überraschend nachhaltige Schwere. Man geht nicht mit dem Gefühl heraus, einfach nur eine durchgeknallte Science-Fiction-Komödie gesehen zu haben. Eher mit dem Eindruck, dass da deutlich mehr drinsteckt, als die erste halbe Stunde zunächst verspricht.

Good Luck, Have Fun, Don’t Die ist kein perfekter Film. Er ist zu lang, zu voll, zu wild und stellenweise auch zu direkt.

Aber er ist lebendig. Er ist komisch, finster, ein bisschen traurig, sehr eigen und immer wieder verblüffend. Vor allem ist er das Werk eines Regisseurs, der sichtbar Lust hat, etwas Persönliches, Verrücktes und gleichzeitig Nachdenkliches auf die Leinwand zu werfen.